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Feng Xiao Min 冯骁鸣：笔尖下的苍穹，心中无垠的旷野

ICON Malaysia / 22 April . 2026

光与色彩自由流淌，在无声诗画中，绘就静简大美。法籍华裔画家冯骁鸣以展览“Inner Horizons”勾勒心灵风景，于虚实之间，邀观者踏上一段艺术冥想之旅。

Feng Xiao Min 冯骁鸣，法籍华裔画家，以展览“Inner Horizons”勾勒心灵风景，邀观者踏上一段艺术冥想之旅。（图 fengxiaomin.com）

冯骁鸣 1959 年生于上海，冯骁鸣出身高知家庭，外祖父阮葭仙是银行家。他自幼便展露对艺术的浓厚兴趣，尤其酷爱书法和绘画。1988年赴法国留学定居，曾于巴黎国立高等美术学院学习与任教，继而全心投入艺术创作工作。

其作品频繁亮相于国际重要艺术博览会与双年展，被多家画廊和基金会收藏，亦常见于佳士得、苏富比、富艺斯等顶级拍卖场。他也在法国出版过绘画与书法作品集，部分作品收录在法国教育部的教科书中。

去年12月，其大型个展 “Inner Horizons”于新加坡奥佩拉画廊 Opera Gallery Singapore 圆满落幕。展出的画作紧扣主题，以简静深邃的画面，将自然之美凝练为抽象诗境，让观者透过他的艺术视角，暂时脱离尘嚣。

探寻内心境域
展览名称“Inner Horizons”充满哲思，源于他将艺术视为内在探索媒介的理解。“它不仅是一个标题，更是一种哲学立场，艺术应引导我们超越外在形式的局限，深入内心与精神的领域。”

冯骁鸣希望通过作品，让观者的视线从向外张望，转为向内凝视。“我希望带领观众进入一个宁静纯粹的世界，光与色彩交织的冥想空间，暂时脱离日常喧嚣，回归心灵的自然宁静。”

大自然与色彩一直是冯骁鸣创作的核心命题，创作风格融合中西美学，色彩过渡如行云流水，颜料在布面上自然舒展，蕴含中国画的意境之美，也具有西方浪漫主义的表达。

其作品的另一特点，是所有画作均以完成日期命名，将想象空间完全交予观者解读。本次展览中，“Composition N°6.8.25”对他别具意义。以白色光柱与午夜蓝色彩形成鲜明对比，探索光与暗之间的张力，灵感源自他对自然光线变化的观察。“光与色的对抗与融合，不仅是一种视觉表达，也是我对希望与焦虑并存这一生命本质的感悟。”

另一个亮点之作“Composition N°29.7.25”，则体现艺术家对新材料的探索。“去年五月，我在纽约特地参观一家博物馆，看到奥地利大画家 Gustav Klimt 的作品，他以金箔作底的画作带给我极大启发。回到巴黎后，我购入德国产 24K 纯金箔，尝试将固态的金箔与颜料混合，探索一种新的表达方式，共创作了两幅作品，一幅已被藏家收藏，另一幅就在新加坡展出。”

Credit: ICON Singapore / Lawrence Teo

中西美学共生
在巴黎扎根 37 年，初抵这座城市时，文化差异曾给他带来巨大冲击。“从饮食到生活习惯，都让我一度不适。而那个真正‘打开新世界大门’的时刻，发生在我偶然通过打工，结识一位电影导演之后。”

那次机缘让他开始踏入法国文艺圈，法语飞速进步，更重要的是，亲睹法国艺术家和知识分子如何讨论、思考和创作。“那种对艺术的纯粹追求，对思想自由的珍视，以及整个社会浓郁的艺术氛围，让我深刻意识到艺术世界的广阔和多样性。”

从印象派到现代主义，法国深厚的艺术传统成为他创作的重要土壤。“法国对我最关键的滋养，是对光与色的科学理解和极致追求。这不仅塑造了我的观察方式，在创作方向上，也促使我进行一次关键转型，发展出我现在的艺术语言。”

尽管从中国画的启蒙，转向西画创作，但在冯骁鸣的作品中，水墨艺术的渲染技法、留白意境与大道至简的哲思，依然清晰可辨。“对我来说，这条东方脉络是最初的成长记忆和肌肉记忆。”

6 岁学书法，28 岁离开上海，东方文化根脉早已深植于他的骨子里。“它演变为一种审美直觉，当我面对画布时，无需思考，就能自然运用中国画的渲染技法和留白意境，成为我不可动摇的精神归属。”

练手也要练心
画如其人，作品是映照艺术家心性与修为最诚实的一面镜子。能绘出宁静致远的世界，创作不仅需要技法，更要锤炼“心法”。

“我的心法根植于中国道家哲学，强调道法自然。创作于我是一种冥想行为，是试图触及内在空间，并与之共享静止时刻的努力。这种心法不在于刻意追求宁静的形式，而在于创作时，内心是否真正达到虚静与平和。当艺术家的内在纯粹，这种纯粹便会自然呈现于作品。”

他有个创作习惯，若提前知道次日有约或杂务，基本上就不会提笔画画。“因为琐事会打扰心境，当你再回到画布前，难以很快进入状态。创作前，我必须先找到一个平静点，通常会在中午前后开始画画。我平时也很少参加聚会，我总觉得画画大部分时间还是需要静心，专注创作。”

现代人特别容易心浮气躁，在他看来，我们正处于一个科技与信息过载的时代，而他作品自带的艺术疗愈属性，为观者提供一个暂停与反思的空间。

艺术滋养观者，亦滋养着创作者。“对我来说，最深刻的疗愈发生在创作过程中。当我不再是画面的主宰者，而是与流动的色彩和笔触合一，所有焦虑和杂念都消失了，体验到一种与万物融合的平静。这种体验本身，就是最深层的疗愈。”

艺术家如何决定画作的最后一笔？“这其实是最难的。早期画画，最难就是不知道什么时候该停下来。这点《道德经》也给我重要的启发，人生最难在于知止。人有无穷欲望，让你不知道什么时候该停下，不断追逐，画画也一样。但随着时间过去，我慢慢成熟，对这个‘点’的把握也比较到位了。”

Credit: ICON Singapore / Lawrence Teo

不期而遇的完美
踏入66岁花甲之年，如今创作心态与年轻时也有不同。“年轻时我一直在追求完美，这是一个过程，因为当时自己对世界和艺术的理解还不够透彻，于是在画面上不断叠加，密密麻麻的，想找到那个完美点。”

随着阅历沉淀，他慢慢发现，艺术真正的美就藏于“不完美”之中，无需太多羁绊，随心挥洒，作品自生芬芳。“我始终不变的坚持，是一直在追求‘真纯’。画家不能表现虚假的东西，所谓虚假，就是不能对自己说谎。你在作品表现的一切，都能看出你的内心。如果有不真诚的地方，观者一眼就能感受到。当你能保持真纯，画面才会纯净。”

对于未来，他希望继续深化对“光之双重性”的艺术探索。“光代表希望，也隐含焦虑。我希望能进一步打破内在与外在视界的边界，让画布成为连接可见世界与不可见的精神领域的桥梁。一个始终在酝酿的想法是，如何将中国书法中时间性的‘笔势’，与西方色彩科学的‘光色’理论，进行更本质层面的结合，这或许会催生一种更具宇宙意识的视觉语言。”

冯骁鸣曾在巴黎国立高等美术学院任教三年。在他看来，年轻艺术家最需要培养的，是在深入理解自身文化传统的基础上，保持独立思考、真诚与专注力。“艺术之路非常艰难，每年毕业的美院学生很多，但真正走到最后的人很少。除了技法要过关，还要有自己的独创性。如果只是追随某个流派，模仿某位导师的画风，那并不能成为真正的艺术家。每个人都应有自己的面貌。”

寻找个人艺术面貌，也是一个过程，“在全球化语境下，仅了解一种文化远远不够。我希望年轻人能主动、深入地学习不同文化传统，不是为了简单的拼贴元素，而是为了从中提炼精华，创造属于这个时代、真正普世的全新艺术语言，而这需要极大的耐心，以及对艺术的纯粹热爱。”